darth vader slutten av rogue one
(Denne artikkelen er en del av vår Det beste av tiåret serie.)
Animasjon er en blomstrende og uendelig kreativ bransje som oftere blir avskjediget som CG-animerte kontantopptak kun til barn. Men som det siste tiåret har vist, er animasjon mer enn din snakkende sinte fugl eller dine følende emojier. Animasjonsfilmer fra de siste 10 årene har presset grensene for mediet, og har gitt oss noen av de mest visuelt blendende, banebrytende, følelsesmessig rørende filmene i noen form. Fra kjente studioer som Disney og Pixar , til internasjonale selskaper som Studio ghibli , og mange uavhengige produksjoner over hele kloden, viser animasjon gang på gang at det er en fantastisk kunstform. Så la oss telle ned de beste animasjonsfilmene i tiåret.
Før vi kommer til den listen, her er de hederlige omtalene: Toy Story 3, Song of the Sea, Forsvinden til Haruhi Suzumiya, En stille stemme, Rise of the Guardians, I dette hjørnet av verden, Anomalisa, Moana, Breadwinner, og Wreck-It Ralph.
Nå, uten videre, er her de beste animasjonsfilmene i tiåret.
15. Mitt liv som en courgette
En liten bit av menneskeheten som tilbys i en livstids animasjon, Mitt liv som en courgette er en fransk film fra 2016 som finner lyset skinnende på de mørkeste stedene. Sett deg i et fiendtlig fosterhjem der en urolig foreldreløs prøver å bosette seg, Mitt liv som en courgette ’S animasjonsstil ser først ut til å være like stygg og grov som forutsetningen. Men sakte kommer varmen gjennom når titulæren Courgette (Courgette på engelsk dub) finner slektsfamilier i hjemmet fulle av urolige feilmonteringer og forlatte barn, og opplever kvaler av første kjærlighet, så vel som sorgens sorg. Regissør Claude barras leverer en dypt menneskelig film som taler til gleden til den funnet familien.
14. LEGO-filmen
Phil Lord og Chris Miller forvandlet det som kunne ha vært en sjeløs bedriftskontant, til en hysterisk, ekstatisk ode til kreativitet. LEGO-filmen skal ikke være så god som den er, og likevel Lord og Miller sin ærbødige og kloke humor, filmens subversive fjerning av heltenes reise, og en ubestridelig fengende temasang gir en uforglemmelig opplevelse. Filmen følger Emmet ( Chris Pratt ), en vanlig LEGO-figur som elsker å følge reglene, som feilaktig blir identifisert som spesialisten - den utvalgte som har blitt profetert for å redde verden. En dristig og visuelt oppfinnsom avvisning av samsvar, LEGO-filmen viser at det er mulig å lage noe originalt av leker.
13. Den røde skilpadden
Den røde skilpadden var Studio Ghiblis første og siste samarbeid med et utenlandsk studio, og det er synd at de aldri gjorde mer. Samskrevet og regissert av nederlandsk animatør Michaël Dudok de Wit og produsert av Ghiblis Toshio Suzuki, Den røde skilpadden er en delikat liten fabel om en mann som forlis på en øde øy, og etter å ha reddet en gigantisk rød skilpadde som han finner der, blir han forelsket i kvinnen som kryper ut av skallet. Med sin minimalistiske animasjon og sin minimale dialog, Den røde skilpadden er en vakkert undervurdert drøm om en film som føles som om den kom fra en annen tid og et annet sted.
12. Flokete
Publikum var ikke klare for Flokete da den kom på kino i 2010. Disney kom fra en rekke snarky CG-animerte filmer, og dens eksperimentelle tilbakevending til den håndtegnede filmen med Prinsessen og frosken var en kassesvikt. Så Byron Howard og Nathan Greno ‘S Flokete , med sine ekstravagante musikalske sekvenser og sin oppriktige, sentimentale historie, var for mye av et tilbakeblikk for publikum som hadde blitt vant til filmer med tunga fast i kinnene. (Det er morsomt fordi Disney senere ville gjøre et triumferende comeback til akkurat denne typen film med Frossen og Moana. ) En revisjonist som forteller om Rapunzel som gjør tittelpersonen (Mandy Moore) til en kidnappet prinsesse med magisk hår som verver en sjarmerende tyv (Zachary Levi) for å ta henne ut av tårnet sitt, Flokete fanger den gamle, glade Disney-ånden som formidles i klassiske animasjonsfilmer og forteller en rørende historie om voldelige foreldre i form av den manipulerende Mother Gothel (en deilig flamboyant Donna Murphy), en av de beste Disney-skurkene til dags dato.
lee tempo voktere av galaksen 2
11. Kubo og de to strenger
En av de vakreste stop-motion animasjonsfilmene i nyere tid, Kubo og de to strenger er Laikas store prestasjon i tiåret: en film som gjør japansk kunst av origami og blekkvaskmaling til en unik blanding av leiremodeller, 3D-utskrift og papir. Regissør Travis Knight forteller den episke fabelen om en ung enøyet historieforteller som bruker en magisk shamisen (et tradisjonelt japansk strengeinstrument) for å gi origami-figurer liv. Men når han blir oppdaget av sine trolske tanter, som angriper ham og dreper moren sin, blir Kubo tvunget til å gå på flukt og gå ut på et oppdrag for å beseire Månekongen. En forfriskende original fortelling som hyller den japanske kulturen som inspirerte den, Kubo er en imponerende test av grensene for stop-motion animasjon.
10. Vinden stiger
Hayao Miyazaki 'S mest kontroversielle film og hans mest personlige, Vinden øker skiller seg ut blant mesterenes anime-filmskapers verk. Det er en biofilm for en som forteller historien om ingeniør Jiro Horikoshi, mannen som er ansvarlig for Mitsubishi A6M Zero-flyet, som ble brukt av japanske selvmordsbombere under andre verdenskrig. Denne dødsarven gjennomsyrer hele filmen, hvis feiende romantiske tilnærming til å begynne med virker i strid med den kontroversielle figuren i sentrum. Men dikotomien i kjernen av Vinden øker er en forlengelse av Miyazaki, en mann med motsetninger som så seg selv i Horikoshi - han ble inspirert til å lage filmen etter å ha lest ingeniørens sitat: 'Alt jeg ønsket å gjøre var å lage noe vakkert.' Det er en tragisk skjønnhet å Vinden øker , som er blottet for det innfallet som er typisk for en Miyazaki-film, men full av den intense lidenskapen for livet.
9. Coco
Pixar kan ikke motstå et høyt konsept eller en hjertesnorbåt, og Kokosnøtt er den perfekte syntesen av det, pakket inn i en visuelt blendende, kulturfølsom historie. En av Pixars vakreste filmer noensinne, Lee Unkrich og Adrian Molina ‘S overdådige voksen alder av filmen tar tak i begrepene død og etterliv. Kokosnøtt følger historien om håpermusikeren Miguel (Anthony Gonzalez), som stjeler sitt idol Ernesto de la Cruz sin gitar på Day of the Dead, og finner seg fanget i det pulserende og fargerike Land of the Dead. Etter å ha møtt en humrende utstøtt ved navn Hector (Gael Garcia Bernal), legger Miguel ut på en søken etter å finne sitt idol og returnere til de levende land. Vakre, påvirkende og fylt med iøynefallende bilder, Kokosnøtt slo en akkord i 2017 med sitt budskap om mangfold og sin skyld til familien.
8. Ulvbarn
Det er noe med Mamoru Hosoda ’S figurer: de er myke, vagt tegnet, nesten formløse, står i sterk kontrast til de skarpt detaljerte bakgrunnene - som om de er halvminnede minner om mennesker fra lenge siden. Men i motsetning til stilen hans, føles Hosodas filmer pressende levende. Hosodas milde film fra 2012 Ulvbarn er det reneste eksemplet på det. Ulvbarn følger Hana, en universitetsstudent som forelsker seg i en mann som forvandler seg til en ulv. De har to barn sammen før ulvemannen blir drept på tragisk vis, og snart presser enslig mor og nysgjerrige øyne Hana til å flytte til landsbygda for å beskytte ulvebarna. En hjerteskjærende romantikk, og voksen alder-film, og en bittersøt avhandling til foreldre, Ulvbarn er et nydelig eventyr som føles som flere levetider levd.
7. Inside Out
Pixars mest følelsesmessige modne film til dags dato, Innsiden ut spør: 'Hva om følelsene våre hadde følelser?' Regissør Pete Docter Svaret er litt mer komplisert og litt mer melankolsk enn du kanskje forventer, og tar oss med på et cerebralt eventyr gjennom en lykkelig, liten jentes sinn når hun takler et livsforandrende trekk til San Francisco. Etter en krangel mellom Rileys følelser Joy (Amy Poehler) og Sadness (Phyllis Smith), blir de to følelsene uforvarende feid inn i hennes ytterste hjørne, og de to må reise tilbake til hovedkvarteret før Rileys følelser slås helt av. En surrealistisk, visuelt oppfinnsom utforskning av følelser og hvordan de kolliderer og samhandler, Innsiden ut inviterer - og lar - publikum føle.
6. Illusjonisten
Sylvain Chomet ’ siden 2010 film Illusjonisten er en melankolsk hyllest til fransk mime, regissør og skuespiller Jacques Tati i 1956, basert på et uprodusert manus av den avdøde filmskaperen. Så ømme som Chomet sine tidligere filmer var bisarre og farserike, Illusjonisten forestiller seg en verden der virkelighet og poesi fletter seg sammen. Sett i en varm, sepia-tonet visjon fra 1950-tallet Frankrike, Illusjonisten følger en fransk illusjonist (Jean-Claude Donda) som turnerer shabby puber og nedslitte restauranter i Scotlands, når han møter Alice (Eilidh Rankin), en jente som tror at hans krefter er reelle. Lunefull, rar og grundig fengende, Illusjonisten er et godt eksempel på Chomet sin unike animasjonsstil.
5. Spider-Man: Into the Spider-Verse
Spider-Man: Into the Spider-Verse er et vitnesbyrd om det ubegrensede potensialet i animasjon - å bringe sidene i tegneserien til et fantastisk, kalejdoskopisk liv - og en hyllest til hjertet av det som gjør en flott superheltfilm. Alle kan ha på seg masken, men ikke alle kunne lage denne ville, innovative, blendende animasjonsfilmen samt regissører Peter Ramsey, Robert Persichetti Jr., og Rodney Rothman . Etter historien om Miles Morales (Shameik Moore), en kunstner som er bitt av en radioaktiv edderkopp like før han ser Spider-Man dø, Spider-Man: Into the Spider-Verse er en levende, hjertevarmende historie som klarer å sjonglere med et overfylt, fargerikt ensemble og en ambisiøs historie med parallelle dimensjoner og superheltopprinnelse.
alle superheltene i uendelig krig
4. Morgendagens verden
Følelsesmessig ødeleggende og ødeleggende enkel, Don Hertzfeldt ’Oscar-nominert kort Morgendagens verden utforsker berusende begreper som udødelighet, hukommelse, sorg og menneskelig bevissthet gjennom en serie ungdomsskrifter. Stickfigurer får følsomhet og skyves inn i et abstrakt rom med lyse farger og kosmiske bilder, med fokus på en ung, sprudlende jente ved navn Emily som møter klonen sin fra fremtiden. Emily-klonen er fylt med minner fra alle hennes tidligere liv, men fjernet fra menneskeheten, og er bare en blek skygge av det lyse, bablende smårollingen foran henne, og får henne til å lure på følelsens natur. 'Jeg er veldig stolt av tristheten min, for det betyr at jeg er mer levende,' innser klonen og bringer 16-minutters kortslutt til en dyp konklusjon.
3. Ditt navn
Makoto Shinkai og Mamoru Hosoda har begge blitt kalt neste Hayao Miyazaki, selv om stilene deres begge er veldig forskjellige fra anime-legenden - og fra hverandre. Mens Hosodas hjerte er på jorden, er Shinkai’s i stjernene. Filmskaperen har alltid utforsket den kosmiske siden av romantisk kjærlighet, men hans mest vellykkede utforskning er mega-hit i 2016 Navnet ditt . Shinkais mest tilgjengelige film og hans mest imponerende, Navnet ditt kan like gjerne kalles 'Yearning: The Movie.' Etter å ha fulgt to japanske videregående skoler som synes at kroppene deres er uforklarlig byttet, Navnet ditt takler de universelle smertene av første kjærlighet og tapte forbindelser med en ærbødig og sprø komisk stil. Men i sin fantastiske tredje akt overskrider den sin kroppsbyttekomedie til å bli en kosmisk kjærlighetshistorie som bøyer oppfatningen av tid og virkelighet.
2. Hvordan trene dragen
Dragetreneren var et vendepunkt for DreamWorks og for CG-animasjon. Dean DeBlois 'film hyret Oscar-vinnende filmfotograf Roger Deakins til å konsultere, og resultatet er en visuelt imponerende animasjonsfilm med en taktil følelse av rom, og en av de mest fantastiske flygende scenene i filmhistorien. Svevende, morsom, søt og sentimental, Dragetreneren forteller den kjente 'gutten og hans dyr' -historie, denne gangen med en redd viking og en funksjonshemmet drage. Animasjonen for dragen Tannløs - inspirert av oppførselen til katter i det virkelige liv - er ødeleggende søt, og forbindelsen mellom Hikke (Jay Baruchel) og dragen hans er ubestridelig. Det er en spektakulær bragd av animasjon som skapte en elsket trilogi, og en film som ville inspirere CG-animerte filmer til å bli bedre i årene som kommer.
1. fortellingen om prinsesse Kaguya
Isao Takahatas krone, Fortellingen om prinsesse Kaguya er en smertefull perfekt animasjon. De Grav av ildfluer regissør hadde eksperimentert med sin egen unike visuelle stil en stund og skilt seg ut fra medstudenten til Studio Ghibli, Hayao Miyazakis, familievennlige stil med eksperimentelle teknikker og skummere komiske historier som i filmer Pom-rom og Mine naboer Yamadas . Det hele bygget opp til hans siste mesterverk Fortellingen om prinsesse Kaguya . Filmen følger en dårlig bambuskutter og hans kone som oppdager en liten jente i en stilk av bambus. Etter at utseendet hennes blir fulgt av utallige rikdommer som strømmer ut av bambusen, avskærer kutteren og hans kone å oppdra den unge jenta som en prinsesse - og river henne bort fra det koselige, landlige livet hun hadde blitt kjent med. Et imponerende kunstverk, ingen animerte filmer ser ut eller spiller ut Prinsesse Kaguya , som henter sin visuelle inspirasjon fra japanske treblokktrykk og forteller en fortelling om hjertesorg og tap som er like klassisk tragisk som folkeeventyret den er basert på.
