Mary Poppins vender tilbake er ikke bare retur av en elsket karakter. Filmen er en tilbakevending til filmstiler fra før, hvor filmer kan være skummende og lunefull unnskyldninger for å bare ha det hyggelig. Men det er også bemerkelsesverdig for inkluderingen av en teknikk som sjelden er sett i dag, og faktisk over hele kinoen: blanding av live-action-opptak med tradisjonell animasjon.
x menn fantastisk fire crossover-film
Utrolig nok er det tidligste eksemplet på live-action / animasjonshybriden også det tidligste eksemplet på animasjon av noen snill. The Enchanted Drawing , produsert i 1900, inneholdt en live-action-mann som interagerte med et håndtegnet ansikt på et staffeli, mens han grep tegnede gjenstander og dro dem inn i den tredje dimensjonen.
Senere, fra 1918 til 1929, skapte Betty Boop-skaper, Popeye-animatør, og 'sprettkule' singalong-oppfinneren Max Fleischer en serie med stille shorts kalt Ut av blekkhuset , hvor animerte figurer sprang av Fleischer's staffeli til virkelighet. Disse ville også varslet Fleischer's oppfinnelse av Rotoscope, som tillot animatører å spore live-action-opptak for å skape mer naturlig bevegelse - en teknikk vi kommer tilbake til senere.
Walt Disney kom også inn på handlingen i god tid før han opprettet Mikke Mus eller til og med hans forgjenger Oswald Lucky Rabbit. Gjennom tidlig til midten av 20-årene laget Disney en serie med stille shorts kalt 'Alice Comedies', med live-actionjenta Alice og tegneseriekatten Julius. Starter med en kort rett Alice’s Wonderland , der 'Alice' snubler inn i Disneys egen tegneserieverden, gikk Alice på en rekke opplevelser, kom i trøbbel og fare (og i et karakteristisk Disney-trekk, oppmuntrende fagforeningsarbeidere) i et mest animert miljø. 56 Alice shorts ble gitt ut over fire år. Mange har siden gått tapt.
Slik var den tekniske vanskeligheten med å blande animasjon med live-action at mange 'hybrid' -filmer bare hadde en eller to scener av interaksjon mellom de to - og til og med da ville interaksjonen være begrenset. Mange av Disneys funksjoner faller inn i denne kategorien. Disse spenner fra den alt-men-begravde, notorisk rasistiske Song of the South , til den nyoppfølgede, varig berømte Mary Poppins .
Poppins har en blendende sekvens der Julie Andrews og Dick Van Dyke synger, danser og rasehester i en animert fantasiverden. Poppins representerte store fremskritt i å kombinere de to teknikkene, med live-action-skuespillerne som ser ut til å samhandle på komplekse måter med sine animerte costar. Så imponerende var det, at filmen vant en Oscar for spesielle visuelle effekter, det samme gjorde den åndelige etterfølgeren Sengeknopper og kosteskapper . Innen Pete's Dragon kom med i 1977, selv om det ikke var nok å tilegne seg så mye som en nominasjon (ikke at den kunne ha vunnet mot å inkludere en animert karakter for hele funksjonstiden) Stjerne krigen , selvfølgelig).
et mareritt på elm street remake
For en forvirrende mengde nostalgiske årtusener er tittelen synonymt med live-action / animert arbeid ekstremt 1996 utgivelse Space Jam . Åpenbart fokusgruppert, produktdrevet og kynisk, Space Jam er et av 90-tallet minst forventede kultfenomener. Filmens aliens-vs-Looney-Tunes basketballturnering var en naken unnskyldning for å bringe den enestående kjendisen Michael Jordan inn i filmen. Jordan blir fraktet til Looney Tunes-verdenen (karakteriseringen av den rasende Looney Tunes-animatøren Chuck Jones), og tvunget til å spille basketball med dem, noe som betyr at hoveddelen av Jordans filmprosess ville ha involvert å snakke med tennisballer på pinner på en blåskjerm. scene. Kanskje det forklarer hvorfor forestillingen hans er så svak.
Samtidig som Space Jam noe overbevisende fraktet en basketballstjerne inn i tegneserien, WBs pseudo-oppfølging Looney Tunes: Back In Actio n brakte tegneserier inn i Hollywoods verden for å kjempe med Acme Corporation. Det er unødvendig å si at ånden til Looney Tunes er mer intakt i Joe Dantes film - og effekten er også sterkere. Dante slipper sine animerte karakterer i LA, Vegas, Paris og verdensrommet, og bruker et bredt spekter av teknikker for å blande dem inn med skuespillerne, rekvisittene, settene og til og med væskene de samhandler med. Det er dumt, latterlig, og for fans av kildematerialet, ganske kjærlig.
Men heller ikke Tilbake i aksjon og Space Jam ville eksistert uten Robert Zemeckis ’ Hvem innrammet Roger Rabbit , utgitt i 1988.
Hvem innrammet Roger Rabbit er den ubestridte kongen av hybridfilm - ikke bare med animerte figurer, men skaper et helt univers der tegneserier eksisterer sammen med mennesker, og der fysikkens lover opptar et nysgjerrig halvveis mellom de to. Roger Kanin er et teknisk vidunder, og trolldommen er redusert av den nåværende trenden mot fotorealistiske animerte figurer, og det hjalp til med å finne mange av teknikkene som nå brukes i CGI-tunge produksjoner. På flere måter enn en er det en av de største og mest innflytelsesrike filmene som noensinne er laget.
Roger Kanin Effects team vant en Oscar for det som var den mest omfattende blandingen av animasjon og live-action til dags dato. Animerte figurer ble ikke bare sammensatt i rammen, de tok lys fra praktiske kilder, interagerte med fysiske gjenstander og mennesker, og blandet sømløst med live-opptak uansett hvilket handlingsplan de okkuperte. De gjorde alt dette i hver scene i filmen, ofte med flere tegn samtidig. Mange bilder brukte til og med et bevegelig kamera (notorisk vanskelig å matche med tradisjonell animasjon). I ettertid var Robert Zemeckis helt klart den rette mannen for regijobben, gitt sin posisjon i forkant av mang en effektteknikk gjennom årene. Sluttresultatet holder fremdeles i dag som en bemerkelsesverdig prestasjon i effekter, en enestående blanding av konkurrerende animerte IP-er, og en fantastisk film å starte.
Like imponerende som Roger Kanin har imidlertid ingenting på den forhåpentlig vanskelige prosessen som ble brukt i 1993 av Bolexbrothers Studio på Dave Borthwicks The Secret Adventures of Tom Thumb . Filmen inneholder menneskelige skuespillere som samhandler med stop-motion animerte figurer, men i motsetning til, for eksempel Ray Harryhausens fantasifilmer, brukes ingen komposisjon for å blande de to i samme ramme. Snarere animerte filmskaperne også skuespillerne sine - bokstavelig talt ved å ha dem fortsatt veldig stille og omplassere dem mellom rammer ved siden av deres stop-motion-koster. Resultatene er bisarre og ærlig talt ganske skremmende. Det er ingenting annet som liker det.
en gang i Hollywood - utvidet kutt
Andre innovatører brakte alternative tilnærminger til hybridmediet. I USA blandet Ralph Bakshi ofte live-action med animasjon i transgressive filmer som Coonskin , og hevdet at de to teknikkene kunne 'eksistere hverken med unnskyldning eller unnskyldning'. Hans animerte Ringenes Herre spesielt med tradisjonell animasjon, silhuettede live-action-sekvenser og rotoskopisk animasjon. I Storbritannia brode Terry Gilliam ofte bro over animerte og live-action-sekvenser i de forskjellige Monty Python-prosjektene ved å bruke fotografiske elementer som animerte figurer. Og over i Europa skapte Jan Svankmajer sin egen unike kombinasjon av filmskapende former i surrealistiske titler som Alice , en av de fremmede Alice In Wonderland tilpasninger rundt.
I mellomtiden benyttet et økende antall live-action-filmer stop-motion animasjon som visuelle effekter gjennom det 20. århundre. Også denne teknikken dateres tilbake til den stille tiden, med Willis O'Briens banebrytende arbeid med Den tapte verden og halvtapte Ghost of Slumber Mountain baner vei for like revolusjonerende arbeid fra Ray Harryhausen og hans disipler. Fra 20-tallet til 80-tallet var stop-motion et viktig middel for å legge fantastiske skapninger til live-action-filmer. Jurassic Park , i 1993, ville være den første til å kaste teknikken til side (midtproduksjon!) for å virkelig oppfinne mediet med CGI.
hvor mange magiske mikser er det
I dag er nesten hver storfilmblanding en blanding av live-action og animasjon, vi ser dem ikke på samme måte. Star Wars Episode III: Revenge of the Sith var en av de tidligste CGI-tunge live-actionfilmene som fikk tak i dette, og krediterte Industrial Light and Magic med 'visuelle effekter og animasjon', og når du tenker på det, fyller animasjon utallige live-action-filmer. Enhver nylig live-actionfilm med en transformerende robot, en gigantisk ape, en fremmed eller en snakkende vaskebjørn har stolt på animasjon. Faktisk, når det gjelder prosess, David Lowery's Pete's Dragon nyinnspilling er omtrent den samme som forgjengeren - bare med mange flere piksler på animatørenes fingertupper.
Motion capture gir en interessant rynke til denne fortellingen, men det er også bare en mer avansert versjon av eksisterende prosesser. Mens Gollum, Caesar, Thanos og andre karakteristikker er basert på opptak og sporing av data fra liveopptredener, blir de faktisk gjengitt på skjermen (og det er verdt å legge til, deres forestillinger er optimalisert og justert) av animatører. Disse teknikkene er flere teknologiske trinn opp fra, men ikke helt ulik Fleischer’s Rotoscope, som ble patentert for hundre år siden. Og når som helst du ser tegn som gjør ting som ikke er fysisk mulig - helvete, hver gang du ser menneskelige karakterer som gjør slike ting - er de sannsynligvis animerte engros.
Teknologi har en morsom måte å damprulle over seg selv. Overbevisende blanding av animasjon og liveopptak var en av de mer utfordrende oppgavene innen filmproduksjon i flere tiår, og som et resultat så det sjelden ut. Da, akkurat som teknologien fanget opp ambisjonene i det riket med Hvem innrammet Roger Rabbit , CGI kom nesten umiddelbart etterpå, dominerte bransjen og gjengav cel animasjonspass.
Moderne CG-karakterer skylder eksistensen til fremskrittene som ble gjort på deres cel-animerte forgjengere, og på grunn av den store forskjellen i visuell estetikk, vil mange publikum aldri lage forbindelsen mellom de to. Det er synd: det tekniske underet å se tegneserier samhandle med mennesker er noe CGI nesten har utryddet. Og den magiske gleden av en tegneserie som henger sammen med et menneske, er noe CGI aldri vil matche.
